Die Shoh Gallery in Berkeley zeigt Werke von acht lokalen Künstlerinnen

Mar 21, 2024

West Berkeley inspiriert Jeannie O'Connor seit 40 Jahren. In den 1980er Jahren kämpfte sie als alleinerziehende Mutter darum, eine künstlerische Praxis aufzubauen, sich mit sinnvoller Arbeit zu ernähren, ein kleines Kind großzuziehen und ein Gemeinschaftsleben aufzubauen. Sie fuhr mit dem Motorrad vom Cal-Campus nach West Berkeley, um Krankentragen zu kaufen, und war von einem Viertel voller viktorianischer Häuser fasziniert. Schließlich fand sie in der Gegend ein Zuhause und ein Studio und begann am West Berkeley Senior Center Fotografie zu unterrichten. Jahre später prägen diese Gemeinschaft, ihre Bewohner, ihre Architektur und ihre Umgebung weiterhin O'Connors Kunst.

Staying Power, Shoh Gallery, zu sehen bis zum 23. September

Künstlerempfang, 9. September; Podiumsdiskussionen, 14. und 23. September

Jetzt sind zwei von O'Connors Bildern in der Shoh Gallery in West Berkeley in der Gilman Street zu sehen, zusammen mit Arbeiten von sieben anderen Künstlerinnen mit Verbindungen zu Berkeley. Staying Power – Women Artists Forging Through the Decades wird von Jan Wurm kuratiert (dessen Arbeiten auch ausgestellt werden) und vereint acht Künstlerinnen, die wie Wurm und O'Connor trotz zahlreicher Herausforderungen in Zeiten sozialer und politischer Unruhen an ihren Praktiken festgehalten haben. Das Jonglieren von Studio- und Familienleben, der Erfolg gegen kritische, geschlechtsspezifische und institutionelle Ablehnung – die Stärke ihres Engagements und ihrer Vision hat ihre Kunst gestärkt.

Obwohl sich einige der Frauen kennen und einige schon einmal zusammen aufgetreten sind, bilden sie stilistisch keine Kohorte. Was sie verbindet, ist das Interesse an Figuration – ein Bezug zur realen Welt und der menschlichen Figur statt reiner Abstraktion – und Wurms Darstellung. In der Ausstellung wird jeder Künstler in zwei unterschiedlichen Phasen seiner Karriere dargestellt. Zuerst mit einem Kunstwerk, das in den 1980er Jahren während ihrer frühen Entwicklung entstand, dann mit einem zeitgenössischen Stück. Während die Ausstellung einen Einblick in die individuellen Wege dieser Künstler bietet, ist „Staying Power“ insgesamt eine Reise durch Berkeleys reiche ästhetische und kulturelle Geschichte.

Im Fall von O'Connor ist ihr prägendes Werk Clothesline, Yellow House (1982) eine fotografische, gemalte und collagierte surreale Darstellung einer Frau, die Kleidung aus ihrem Fenster zieht. Man nimmt an, dass O'Connor in dieser unbekannten Frau, die eine Hausarbeit verrichtete, eine Version von sich selbst sah und das Bild verzerrte, um die Fremdartigkeit des Wiedererkennens widerzuspiegeln. In ihrer jüngsten Arbeit fängt O'Connor unsere gegenwärtige Klimakatastrophe ein. California Burning, 2021, zeigt ein Foto einer Karte von Kalifornien, die an einem Schild eines Möbelgeschäfts hängt. Das Foto ist hinter einem orangefarbenen Spiegel im Used-Look collagiert. „Ich konnte diesen orangefarbenen Himmel nicht vergessen“, sagte O'Connor, als ich mich an sie wandte, und bezog sich dabei auf den 9. September 2020, als Waldbrände die Sonne verdeckten. „Oder der Staub, der durch die Luft fällt.“ Splitter von uns allen sind in den reflektierenden Glasscherben von California Burning gefangen und gefangen. Das Haus brennt bis auf die Grundmauern nieder.

Viele der in der Ausstellung vertretenen Künstler besuchten die UC Berkeley in den 1970er Jahren, zu einer Zeit, als nur wenige Frauen auf der Liste der Kunstabteilung standen, nur wenige Frauen ordentliche Professoren waren und nur wenige Mentoren waren. Dennoch fanden diese Frauen durch Experimentieren und Eliminieren ihren Weg zur künstlerischen Praxis. Livia Stein studierte Geschichte und dachte, sie würde Akademikerin werden. Doch ihre Unzufriedenheit mit einer verwestlichten Sichtweise veranlasste sie, nach Indien zu reisen, was sie zur Fotografie und schließlich zur Malerei führte. „Ich arbeite aus dem Kopf heraus“, sagte sie. „Irgendwann auf dem Weg taucht eine Gestalt auf. Ich interessiere mich sehr für die Beziehung zwischen Menschen und wie sie sich unterhalten.“ Die ausgestellten Ergebnisse sind lebendige synästhetische Kompositionen voller Farbe und persönlicher Mythologie.

Hilda Robinson war fast 50, als sie drei Kinder großgezogen und genug Geld gespart hatte, um Cal zu besuchen. Dort hatte sie in den 1980er Jahren das Glück, bei Joan Brown Zeichnen zu studieren. Brown brachte ihren Schülern bei, Ölpastelle zu verwenden, und Robinson ist diesem Material treu geblieben und hat Pastelle verwendet, um Kindheitserinnerungen und das Leben der Schwarzen aus ihren Beobachtungen beim Fahren in Zügen und Bussen und beim Spaziergang durch die Straßen von Berkeley und Oakland zu dokumentieren. „Fremde, insbesondere Kirchenleute, laden sich in meine Kompositionen ein“, schreibt Robinson in ihrem Künstlerstatement. „Sie setzen sich, stehen auf oder lehnen sich zurück und rücken in den Hintergrund, obwohl sie irgendwie genau wissen, wo sie hingehören. Das ist die unglaubliche Bewegung des menschlichen Geistes, die in meiner Arbeit fortbesteht.“

Ebenso prägt der menschliche Geist in all seiner Komplexität und der Verzicht auf Prozesse und Materialien die Arbeit von Lorraine Bonner, die Ärztin war, bevor sie Künstlerin wurde. Bonner war jedoch der Ansicht, dass die Medizin nicht ausreichte, um das Ausmaß von Krankheit, Krankheit und Heilung zu bewältigen. Bonner litt unter verdrängten Erinnerungen an den sexuellen Missbrauch in ihrer eigenen Kindheit und belegte einen Keramikkurs am Merritt College. Der Ton führte sie sanft weg von der Idee der Viktimisierung – weg von der Isolation – in den größeren Kontext der Kunst. Während sich Bonners frühe Arbeiten mit persönlichen Traumata befassten, setzt sich ihre spätere Arbeit mit der zerbrochenen und hoffnungsvollen Heilung des Planeten auseinander. In Wounded World Healer (2017) hält eine weibliche Figur unseren Planeten in ihrer rechten Hand, während sie mit der linken ein Puzzleteil umklammert, das gerade dabei ist, ihn wieder an seinen Platz zu setzen. Als ich Bonner bat, ihre Gefühle zum Titel der Show zusammenzufassen, antwortete sie: „Ein Teil des Durchhaltevermögens besteht einfach darin, am Leben geblieben zu sein, ein Teil davon besteht darin, in einer wachsenden Beziehung zum Ton zu bleiben und offen für das zu bleiben, was er lehren wollte.“ Mich. Ein weiterer Teil war die ständige Unterstützung anderer Menschen bei der Reaktion auf meine Arbeit, oder ich sollte sagen, unsere Arbeit, da der Ton schon immer eher ein Partner als ein Medium war.“

Mehrere Künstler in Staying Power bevorzugen nicht-traditionelle Kunstmaterialien, nicht nur Pastellfarben und Ton, sondern auch Holz und Textilien, um historisch abgewertete Geschlechterassoziationen zu erforschen. Schon früh modellierte Diana Krevsky Leinwand zu ironischen, lebensgroßen Puppen, wie in Save the Last Dance for Me (1987) zu sehen ist. Jetzt setzt sie Holzreste zu skurrilen Figurenpuppen mit Reißverschlüssen im Schritt zusammen, wie zum Beispiel „What Time Is It“ (2017). Die einfache Freude an dem, was sie als „Handwerk“ bezeichnet, prägt weiterhin ihr Werk.

Als Lia Cook sich zum ersten Mal in Textilien verliebte, geschah dies gerade deshalb, weil das Medium in den USA als Frauenhandwerk abgewertet wurde. Es war in den 1970er Jahren, als landesweit Frauengruppen, die sich mit Frauenthemen befassten, aus dem Boden schossen, insbesondere in Berkeley. Cook konzentrierte sich bewusst auf Textilien als Inhalt. „Framed & Draped Tapestry Quilt“ (1989), Cooks frühe Darstellung in der Ausstellung zeigt ihre Absicht, Vorhänge in den Vordergrund zu stellen. Nachdem sie in Berkeley Politikwissenschaften im Hauptfach studiert hatte (mit ausschließlich männlichen Professoren), bekam sie einen Job als Diashow-Moderatorin in der Abteilung für Kunstgeschichte. Als sie mit der Herstellung von Textilien begann, wollte sie, dass sich ihre Arbeit auf all die Renaissance-Drapierungen konzentrierte, die ihr im Hintergrund aufgefallen waren. „Ich wollte, dass die Vorhänge das Ganze bilden“, sagte sie.

In den 1980er Jahren, als Cook ihre Karriere begann, war Berkeley die perfekte Gemeinde, um eine avantgardistische Textilkünstlerin zu fördern. Bei Cal webte der Faserkünstler Ed Rossbach Skulpturen aus Folie und Plastiktüten. Und während die meisten kommerziellen Galerien solche Arbeiten meiden, präsentierte das Fiberworks Center for Textile Arts in der Bonita Avenue in Berkeley Textilkunst wie Cook's und veranstaltete Gemeinschaftsprogramme und Konferenzen.

Seitdem hat sich Cooks Kunst parallel zur Technologie (manchmal sogar schneller) weiterentwickelt. Sie war eine frühere Anwenderin von digitalem Jacquard – computergesteuerten, manuell betriebenen Webstühlen. In ihrem Triptychon „Spring Upstart“ (2023) verbindet sie Bilder aus Pflanzenfasern mit denen, die aus den Gehirnfasern ihres neuronalen Netzwerks stammen. „Am Ende habe ich mir Gedanken gemacht“, sagte sie. „Aber es ist immer eine organische Entwicklung, aus Mustern und Verbindungen.“

Jan Wurm, der Kurator von Staying Power, ist ebenfalls ein Maler, dessen anhaltendes Interesse Erzählungen widerspiegelt, die die menschliche Verfassung erforschen. Als sie sich Ende der 1970er Jahre in Berkeley niederließ, beschäftigten sich ihre frühen Gemälde mit dem Familienleben. Wyatt Earp & Annie Oakley (1980) ist eine lebendige Leinwand, die einen Moment einfängt, in dem ein umherziehender Fotograf mit einem Pony und einer Tasche voller Kostüme wiederum zwei Kinder und ihre Mutter einfängt, die sich heimlich eine Zigarette an die Seite schieben, während sie spielen eine romantisierte Version von Cowboys und Western Expansion. In Anthropology (2022) wurden Wurms leuchtende Farben durch eine monochromatische Braunpalette ersetzt, die einen von Totenköpfen umgebenen Anthropologen darstellt. Wie Erkundung und Lähmung, Kindheit und Alter sowie Leben und Tod ergänzen sich diese beiden Stücke.

Kim Anno ist mehr als ein Jahrzehnt jünger als die anderen sieben Künstlerinnen der Ausstellung und wuchs in der feministischen Bewegung auf, die diese Frauen mitbegründet hatten. Von Anfang an war das Persönliche für Anno bereits politisch, und ihre Arbeit strebte danach, den sozialen Kontext der Kunst zu verbinden und zu erweitern. Zu ihren Themen gehören Ökologie, Klimawandel und die Überprüfung des europäisch-amerikanischen Bewusstseins. Für Sartre ist eine Lithographie aus dem Jahr 1980 eine Hommage an den französischen Philosophen im Jahr seines Todes. „Existentialismus ist [ein] Humanismus, der mich sehr beeinflusst hat“, sagte Anno. „Zusammen mit seiner Frau Simone de Beauvoir waren sie Helden für eine junge Feministin und Sozialdenkerin wie mich.“ Tatsächlich war Sartre der Philosoph, der sich für eine moralische Verbesserung durch Verantwortung einsetzte. Annos Kunst erfordert auf ihre Art das gleiche Maß an Engagement.

Utopia West (2019) ist eine dionysische Öl-auf-Metall-Szene, die die Kunstgeschichte hinterfragt. In Anlehnung an Peter Paul Rubens‘ berühmtes Gemälde „Die Geburt der Milchstraße“ collagierte und malte Anno verschiedene Gravuren mit der zentralen Rubens-Figur einer Mutter, die Milch aus ihrer Brust in den offenen Mund ihres Kindes spritzt. Ihr Endergebnis durchbricht die traditionelle männliche Sicht auf die Weiblichkeit, wie sie in der westlichen Kunstgeschichte dargestellt wird. Brüste sind keine bloßen Objekte, auf die man starren kann, sondern funktionierende Körperteile. Anno nennt dies eine Kommerzialisierung des Erhabenen.

Während Berkeleys Ad-hoc-Institutionen – wie Fiberworks, das zunächst die Karrieren vieler dieser Künstler förderte – geschlossen haben, erwerben große Institutionen endlich ihre Kunst. Die Kunstwerke von Anno, Cook, O'Connor, Stein und Wurm sind in bedeutenden Museumssammlungen in den USA enthalten

Annos Einzelausstellung „Animals‘ Reading Room“ wird vom 7. September bis 9. Oktober in der Galerie Anglim/Trimble in San Francisco zu sehen sein. In ihren 90ern stellte Robinson gerade im Berkeley Art Center aus. Letztes Jahr präsentierte Bonner eine Installation ihrer Extinction-Serie bei der SOMArts Dia de Los Muertos-Feier. Und Cals Abteilung für Politikwissenschaften, an der Cook einst als Student studierte, stellte schließlich fest, dass es nur Porträts männlicher Absolventen gab. Sie haben gerade mehrere Textilstücke von Cooks Selbstporträts gekauft.

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